Alice Através do Espelho (2016). O Tempo Salva a Continuação…

Por: Beathriz.
“Alice Através do Espelho” é um filme fantasia inspirado na obra de Lewis Carroll, claro. Que não foi dirigido por Tim Burton, mas por James Bobin. Como sequencia do primeiro filme de Alice no Pais das Maravilhas.

O filme se passa anos depois do desfecho do primeiro, com Alice (Mia Wasikowska) na carreira náutica. Sendo capitã do navio de seu pai. Ela é ótima no que faz, porém em meio a desavenças com sua mãe entre o que quer fazer e o que uma mulher tem de fazer. Ela está a beira de perder o Wonder, o navio. E é ai que ela vai para o Pais das Maravilhas, porque o Chapeleiro, interpretado por Johnny Depp, está com problemas.

Então é ai que está o problema. Eu sou uma fã de Alice, gostei do primeiro filme. Mas esse filme não consegui engolir. A historia é toda cheia de remendos, você não vê uma motivação real, algo realmente especial. São pequenas coisas que juntaram para tentar fazer um enredo de um filme grande. Não deu certo. Todos os pontos no enredo foram mal utilizadas, com exceção na volta ao tempo, que fez sentido e foi bem explicada. Colocaram um pouco de empoderamento feminino, relação de família, questões de manicômio, romance e independência na história fora dos pais das maravilhas. Mas tudo isso foi muito jogado, como forma de fazer uma média para o publico.

“Ah, vocês gostam de Alice doidona? Toma uma cena dela no manicômio pra ficarem felizes!”

Faltou historia! As obras de Alice tem várias referencias, é tanta loucura e pequena referencia nos livros que você tem liberdade para seguir para qualquer lugar. Então eu não fico chateada quando não seguem a risca. Mas simplesmente eu vi uma tentativa de fazer dinheiro bem bonita, não vi um filme com história.

Existem algumas referencias aos livros: o espelho, o Humpy Dumpy, o tabuleiro de xadrez, o Tempo amalçoando a hora do chá. Mas poderiam ter colocado todos os personagens originais que ainda não ia conseguir salvar o enredo pobre que foi utilizado.

Alice cresceu, gostei mais da atuação de Mia nesse filme. No anterior ela parece bem perdida em como proceder. Aqui ela está mais familiarizada, porem continua sem muito tempero. A Rainha Vermelha, interpretada pela Helena Bonham Carter, está engraçada e eu gostei dela. Gostei da relação dela com a Mirana, Anne Hathaway, apesar de achar um pouco forçado demais. Mas enquanto Iracebeth está com média, Mirana está com notas vermelhas. Sua atuação assim como do Chapeleiro está extremamente forçada. Quase que caricata.

Então temos o Chapeleiro e sua motivação mais sem pé nem cabeça. Ele está triste porque acha que sua família ta viva, e fica tão triste que quase morre. Sério mesmo? A atuação de Johnny Depp está muito robótica, chega a ser bem ridículo. A maquiagem que colocaram na cara dele foi tanta que você perde uns bons 5 segundo tentando encontrar uma pessoa por trás de tanta base. E quando vemos sua família, surpresa, parece que adotaram o pobre Tarrant (Que descobrimos ser o nome dele) de tão diferentes. São pessoas normais e comuns, o que foi muito decepcionante.

E é ai que poderiam ter buscado inspiração nas obras originais, nos livros, o chapeleiro só é louco em referencia aos chapeleiros da época de Lewis que usavam uma substancia que os deixavam doidos. Eu queria uma família toda de chapeleiros doidos.

O destaque maior, foi o Tempo. Que sempre foi citado, porém nunca mostrado. Todos sabemos que Tempo sempre foi tratado quase que como uma pessoa nas obras. E aqui ele ganha forma e é interpretado por Sacha Baron Cohen. Ele tem personalidade, motivação e camadas de profundidade. Tem horas no filme que você gosta mais dele do que de Alice, que você torce para ele. Ele é misterioso, e você não sabe logo de cara se é do bem ou do mal. Mas sabe que ele é muito importante para o universo das maravilhas. Quase que um Deus.

O filme esteticamente é lindo, você fica estasiado com cada cenário e animação. Com destaque para o castelo do Tempo, que é realmente deslumbrante e a casa da Rainha Vermelha. O 3D é realmente de fazer os olhos brilharem. Eu até vi referencia do jogo que tanto amo, Alice Madness Return.

Mas como forma de desfecho de tudo isso que poderia ser bom mas não foi, o final é tão clichê que você sabia. Se pausassem o filme no cinema e perguntassem, “Então Beatriz o que você acha que acontece?” Eu narraria o fim do filme sem saber.

Então entramos na questão, filmes infantis não precisam ser retardados para atraírem sue público! Eu pensei que nesse século a gente já tinha combinado que é muito ruim subestimar a capacidade de nossas crianças. E de nós mesmos, pois todo mundo sabe que não é só criança que assiste Alice. (Inclusive, não vi uma criança na sessão que eu fui.)

Vivemos num mundo de Divertida Mente, ToyStory e Shrek. Eu sinto ódio quando para explicar um filme fantasia rum dizem “é para crianças”. Gente, mas isso não pode, eu sou uma eterna criança e estou aqui pra dizer que isso não é desculpa. As crianças gostam de coisinhas meio bestas sim, mas isso não segura nenhum filme. A gente precisa de história, e existem sim ótimos roteiristas prontos para dar uma historia fantástica para adultos e crianças com leveza e carga critica.

No fim eu aconselho você a assistir depois, sem gastar muito. No final de tudo senti que aconteceu um amaldiçoamento dos roteiristas para o filme. O que é um pecado, poderiam ter feito isso com qualquer filme mais superficial, que não tem o que explorar. Mas não com Alice.

Alice Através do Espelho (Alice Through the Looking Glass. 2016)
Ficha Técnica: na página no IMDb.

Um Panorama do Festival do Rio 2015 – parte final

Por: Carlos Henry.
CALIFÓRNIA de Marina Person pode ser considerada uma comédia de adolescentes. E das boas, por conta de um afinado elenco juvenil embalado por deliciosos hits (David Bowie, New Order e muitos nacionais, todos muito bem inseridos nas cenas, especialmente o final com “The Caterpillar” do The Cure.) dos anos 80 quando a ação se desenrola. Estela (Clara Gallo) vive sua difícil passagem pela puberdade ancorada na figura de seu idolatrado tio Carlos (Caio Blat, perfeito no papel) que vive na Califórnia e exerce influência mágica na menina criada por pais caretas. Os planos de conhecerem juntos o badalado estado americano são interrompidos pela volta inesperada de Carlos ao Brasil que chega magro e debilitado por conta de uma terrível e ainda desconhecida doença que começava a se espalhar pelo mundo naquela época. O engenhoso roteiro insere o complexo personagem de Caio Horowicz no momento certo. Ele é o menino mais estranho da escola. Sua posição de bissexual avançado irá amedrontar e fascinar a menina afligida pelos hormônios da idade, mas cercada de justificados preconceitos. “Se você for gay, você vai pegar Aids!” adverte Estela ao novo pretendente, ignorante como a maioria da população diante de uma praga nova e misteriosa. Apesar do que é abordado, o tom do filme é leve, ameno e muito divertido em sua maior parte, especialmente por conta do elenco de meninas e da pequena, mas sempre preciosa participação de Gilda (Trabalhar Cansa) Nomacce como uma empregada afeita a simpatias mágicas.

E aproveitei os intervalos do Festival e as férias para apreciar o que estava no circuito.

O diretor Ridley Scott continua desapontando. Seu último longa PERDIDO EM MARTE (The Martian) é uma ficção científica apática e excessivamente técnica que poderia interessar somente aos aspirantes a astronautas. O personagem de Matt Damon é considerado morto numa missão em marte e deixado abandonado no planeta inóspito. O que deveria ser uma situação tensa acaba virando plataforma para uma série de piadas nem tão engraçadas. A trilha sonora calcada em hits da Disco Music seria um (forçado) atrativo à parte, não fosse detonada o tempo todo como se fosse mau gosto apreciar aquele gênero de música. Descartável.

Já A TRAVESSIA (The Walk) de Robert Zemeckis assombra com imagens estonteantes em 3D na tela gigante do Imax para contar a história verdadeira do Francês Philippe Petit que decide atravessar através de um cabo de aço as célebres torres gêmeas do World Trade Center em Nova Iorque pouco antes de serem concluídas as obras finais nos anos 70. Não aconselhável para quem sofre de vertigem. Philippe sofreu pena leve pela inesquecível façanha ilegal e acabou ganhando passe livre para o terraço de observação da torre. O passe teve sua data de validação alterada de um dia definido para duração indeterminada. Infelizmente o trágico curso da história não permitiu que o célebre equilibrista usufruísse da regalia para sempre.

LOVE 3D do cultuado diretor do chocante “Irreversível” Gaspar Noe é uma grata surpresa. Execrado pelos exibidores ultraconservadores deste país de mente curta, é ao contrario do que possa parecer é um filme de muita qualidade. Narra a obsessão sexual de um homem casado pela jovem Electra, uma antiga namorada que desaparece sem deixar vestígios. A paixão doentia confundida com amor esgota o rapaz física e mentalmente vista em notáveis mudanças ao longo da narrativa. Como é que a esta altura do campeonato, em pleno século vinte e um, numa terra infestada de sujeira, miséria e corrupção, alguém por aqui pode ousar se indignar com um punhado de cenas de sexo explícito (Penetração do ponto de vista do interior da vagina e um orgasmo masculino em direção à tela são as cenas mais comentadas) totalmente inseridas no contexto de um roteiro bem elaborado? A pornografia está nos jornais que hoje em dia não têm censura.

A COLINA ESCARLATE de Guillermo del Toro é a grande decepção que fecha o festival. Tantos clichês que talvez funcionassem numa paródia de Mel Brooks – Arranca risos da plateia com a suposta intenção de assustar lançando mão de fantasmas toscos, gráficos e falsos, rangidos e “sustinhos” para lá de batidos. A-velha-perversa-do-retrato-que deve-esconder-um-segredo, O-jovem-que-divide-um-terrível-mistério-com-a-irmã-estranhíssima e a-menina-idiota-que-vai-morar-na-mansão assombrada-apesar-dos-avisos-da-mãe-morta são algumas das sandices óbvias do inacreditável roteiro. Como é que a talentosa Mia (Amantes Eternos) Wasikowska foi se embrenhar nesta patuscada? E o Senhor Del Toro que já realizou obras-primas como “O Labirinto do Fauno” e “A Espinha do Diabo” também perdeu a mão? Assustadoramente ruim. Como dizia um crítico que tinha um programa sobre cinema na TV nos anos 70: Fujam do cinema que estiver “levando”!

[Continuação daqui.]

Mapas para as Estrelas (Maps to the Stars. 2014)

Por Francisco Bandeira.
Em Maps to the Stars, David Cronenberg entrega um trabalho estranho e assustador sobre Hollywood e o narcisismo oco da cultura das celebridades nos dias de hoje, tendo a família Weiss como foco da trama, já que carregam o brasão de “Hollywood Family” e abraça o “american way life” com orgulho, tornando ainda mais chocante os sorrisos na frente das pessoas enquanto os mais obscuros segredos são empurrados para debaixo do tapete, como fosse algo sem importância, pois nada pode apagar o brilho dessas estrelas.

A personagem mais interessante do longa é, sem sombra de dúvidas, Havana Segrand (Julianne Moore em um verdadeiro tour de force). Seu papel assemelha-se um pouco com a Norma Desmond, criada por Billy Wilder em Crepúsculo dos Deuses. Aqui reside uma mulher disposta a tudo para ser uma grande atriz, agarrando com unhas e dentes a oportunidade de aparecer no remake (ou continuação) de um filme que fez de sua mãe uma verdadeira estrela em Hollywood.

Aliás, durante sua exibição, podemos notar um mar de referências espalhados por sua obra, seja no tom satírico de O Dia do Gafanhoto (1975), na sensação de um sonho distorcido de Cidade dos Sonhos (2001) ou a doce ironia presente no desfecho de O Jogador (1992), mas que, apesar do elenco cheio de estrelas, mantém sua áurea de filme-B simplesmente intacta.

A ironia da obra fica mais visível na figura do pai, representada pelo Dr. Stafford Weiss (John Cusack finalmente voltando aos bons papéis), um psicólogo que fez fortuna com livros de autoajuda, mas que não consegue sequer resolver seus próprios problemas, seja com sua esposa (Olivia Williams, ótima) ou filhos, nada parece funcionar, porém, lá está ele dando conselhos de como melhorar nossas vidas e ganhando muita grana para isso.

É muito interessante notar como o diretor buscou referências da vida real para inserir uma maior ironia em seu trabalho. Por exemplo, Benjie Weiss (Evan Bird em performance inspirada), um astro-mirim de 13 anos que conheceu dinheiro e fama antes mesmo de alcançar uma certa maturidade e que passou constantemente por clínicas de reabilitação para conter seu vício em álcool. Impossível mesmo não fazer uma ligação com Shia LaBeouf e seu desregrado estilo de vida, que inclui fins de semana com muita bebida, drogas e confusões, sempre estampando as primeiras páginas de jornais e revistas, virando notícia no mundo todo enquanto agentes e advogados agem para amenizar as consequências de seus atos.

O filme vai muito além de uma simples sátira ao estilo de vida dos astros de Hollywood e o culto sobre eles, assemelhando-se mais a um comovente conto edipiano, abordando temas como incesto e assassinato, onde o cineasta consegue manter um senso de humor quase doentio, enquanto cria um show de horrores com criaturas aterrorizantes, mais conhecidos como seres humanos.

E isso nos leva a personagem mais complexa do filme: Agatha Weiss (Mia Wasikowska cada vez melhor em cena). Desde o início percebemos que aquela garota tem problemas, seja por seu estilo meio excêntrico, pela inexpressividade em seu olhar, por sua obsessão pelas celebridades, na relação incestuosa com seu irmão, mas que parece inocente perto de sua idolatrada musa (Havana), no inocente flerte com o charmoso Jerome Fontana (Robert Pattinson, fazendo parte das ironias de Cronenberg no filme) ou na cena final, mostrando que apesar de toda insanidade que a cerca, ela parece ser a pessoa mais inocente e sã presente nesse mundo amaldiçoado de lobos em pele de cordeiros.

A cena mais chocante, estranha, genial, irônica, bizarra e corajosa do ano é concebida por Cronenberg em Mapa para as Estrelas. Nunca uma premiação foi tão tão bem usada, subvertida e orgulhosamente destruída. É um objeto letal que pode demolir pessoas orgulhosas, egocêntricas e com caráter duvidoso, e que também podem dilacerar aqueles á sua volta – e retornarem na mesma moeda para as mesmas que esbanjam glamour – usando um falso brilho de ouro dos tolos para cobrirem seu verdadeiro eu, um mar de podridão que mais se assemelha a uma jornada sombria rumo ao inferno do que um caminho iluminado para o céu.

Avaliação: 8.0
Por Francisco Bandeira.

Mapas para as Estrelas (Maps to the Stars. 2014). EUA
Ficha Técnica: na página no IMDb.

O Duplo (The Double. 2013)

Por Francisco Bandeira
(O texto contém spoiler..)
Quem quer vivenciar um pesadelo surreal de outra pessoa? Ninguém, certo? Para Richard Ayoade não. O cineasta convida o espectador a presenciar o embate da identidade física x identidade mental, mostrando que as pessoas podem ser completamente diferentes, mesmo sendo tão semelhantes. Pegando emprestado a ideia do escritor Fyodor Dostoyevsky, na qual um funcionário fica cara a cara com ser um idiota, arrogante e manipulativo, mas que se parece bastante com ele, uma espécie de cópia, um duplo que está inserido no título da obra.

A trama gira em torno de Simon (Jesse Eisenberg), um homem bastante retraído que, quando chega em seu local de trabalho, descobre que um homem semelhante a ele, James (Eisenberg novamente), usurpou seu cargo pouco importante na empresa. Sempre humilhado pelas pessoas, o neurótico Simon agora precisa lidar com um sósia que é tudo que ele não é: confiante, charmoso, arrogante, divertido e bem sucedido. E quando James consegue tudo que ele almejou: Promoções, respeito e amor de Hannah (Mia Wasikowska), ele tem que tomar uma trágica decisão.

Logo de cara, percebemos que Ayoade e o roteirista Avi Korine trabalham seu filme em cima de um problema universal: a instabilidade de identidade pessoal. Tendo um estilo cômico bem semelhante ao do Monte Phyton, mostrando uma distopia ao melhor estilo de Brazil, do diretor Terry Gilliam e com um tom de filme noir visto em filmes de David Lynch, Ayoade ainda consegue usar de forma inteligente os travelings a lá Martin Scorsese (uma boa lição para O. Russell), o voyeurismo visto em filmes de Hitchcock (Janela Indiscreta) e Brian De Palma (Dublê de Corpo) e inserindo de forma bastante interessante (e econômica) o slow motion, tendo como grande mérito manter seu estilo próprio, apesar das inúmeras referências notadas em seu filme.

O grande problema do protagonista é realmente sua crise existencial. Simon é um cara que entra no trabalho como visitante, seu chefe, o Sr. Papadopoulos, o chama de novato (ele já trabalha lá a mais de 7 anos). O porteiro nunca é amigável com quem não conhece e nem mesmo o elevador parece reconhecê-lo. E quando seu contraponto surge, o filme ganha um ritmo impressionante, sendo inserido um humor pra lá de inteligente (ninguém nota a semelhança entre os dois) e um tom melancólico através da inocência do protagonista e em como seu sósia usa disso para manipulá-lo e, posteriormente, humilhá-lo de maneira impiedosa.

A diferença mais notória entre os dois é na percepção da igualdade entre eles. Reparem no desconforto e curiosidade de Simon ao ver seu sósia e em como James usa dessa semelhança e da bondade do outro para tirar proveito próprio (ele chega a achar engraçado usar disso para manipular Simon), tornando-se amigo daquela figura tímida e sem graça, oferecendo aconselhamento romântico e promoções no trabalho, até que o mesmo entrega de mão beijada tudo isso à James (ele faz um teste no trabalho para o sujeito, pede para o mesmo conquistar a sua garota pois não consegue fazer isso), vendo a chance de infiltrar-se em seu meio para se tornar bem sucedido cair em seu “colo”.

A parte técnica do longa também merece elogios. Da fotografia escura, relembrando o climão de filme noir empregado em ‘Veludo Azul’, ressaltando a sensação de desconforto do protagonista e na obscuridade da cidade (parecendo a Nova York de Scorsese em ‘Depois de Horas’, mas aqui, não existe dia), passando pelo fantástico designer de som, onde constantemente Simon escuta barulhos que sugerem sons de metrôs, sirenes e tremores de terra. E a trilha sonora, abastecida com um bom pop japonês dos anos 60 e um desempenho incrível de Danny e os Islanders, que dão um aspecto meio “extraterrestre”, servindo para reforçar o sentido de deslocamento do personagem central.

As atuações são formidáveis, desde a composição inteligente e cuidadosa de Wallace Shawn como o Sr. Papadopoulos, chefe de Simon até a ironia de Noah Taylor na pele do conformado Harris. Mas são Eisenberg e Wasikowska que impressionam. O primeiro entrega talvez sua melhor performance, na pele de Simon/James. Enquanto empresta um caráter introspectivo à Simon, desde seu modo de falar até trejeitos interessantes (reparem nas mãos do sujeito quando fica nervoso, seu modo de olhar para as pessoas) até a autoconfiança e sinismo de seu James, tornando-o um ser quase desprezível, se não fosse pelo ar de brincalhão do mesmo. Já a segunda, demonstra uma presença cênica inteligente, tornando-se magnética, usufruindo de sua personagem enigmática para trabalhar seu alcance dramático (e realmente surpreende nos momentos finais), ainda usando a seu favor sua tão criticada inexpressividade.

A direção de Ayoade se mostra bastante inventiva, se beneficiando da montagem brilhante do filme (e que merece realmente aplausos), reverenciando seus “mestres” sem soar um mero copiador, filmando algumas cenas de ângulos interessantes e colocando a câmera na mão nos momentos certos.

O resultado da ascensão de James e do declínio de Simon é assustador, causando uma enorme estranheza, que culmina em um clímax bastante impactante e reflexivo, que resulta em ótimos questionamentos e um crime bastante bizarro (se é que pode chamá-lo de crime). Simon era um homem que queria ser lembrado, não passar despercebido, como um fantasma, pois sem isso ele sequer poderia dizer que viveu um dia. Sua decisão inicial não o torna melhor ou pior do que ninguém, mas apenas decifra tudo o que ele queria ser: ÚNICO!

Avaliação: 08.

Amantes Eternos (Only Lovers Left Alive. 2013)

O novo filme de Jim Jarmusch, “Amantes Eternos“, retrata o cotidiano de um sofisticado casal de vampiros do século XXI. Tão modernos a ponto de viver em continentes separados, Adam (Tom Hiddleston) em Detroit – U.S.A. e Eve (Tilda Swinton) em Tangier – Marrocos.

Ele é músico recluso com tendência à depressão e nostalgia e ela muito mais antenada com a tecnologia atual, diferenças ajustadas por conta de uma inteligência assombrosa. Esse pequeno desequilíbrio de evolução no tempo, natural de quem vive muito, não atrapalha a comunicação frequente de ambos e quando a saudade aperta, viajam de primeira classe com uma maleta de mão lotada de… livros. Sim, eles são inteligentes, ricos e elegantes, vestem-se com estilo e bebem sangue em taças como o melhor vinho. Preocupados com as mazelas do século, preferem ter “fornecedores” seguros do líquido vital a arriscar uma provável contaminação. Vivem assim o torpor ocioso dessa rotina lânguida e modorrenta até o momento em que recebem a visita da irmã mais nova de Eve, a espevitada Ava (Mia Wasikowska), que já havia causado problemas no passado por conta de sua jovial irresponsabilidade.

A escolha acertadíssima dos atores, sobretudo Tom Hiddleston e Tilda Swinton fazendo o enigmático casal, é o ponto alto da obra que tem ainda Mia Wasikowska e John Hurt completando o elenco. Também destaca-se a primorosa direção de arte, tão cirurgicamente detalhista que enche os olhos harmonizando sempre com o visual extravagante dos personagens (Os cabelos ressequidos e armados dos vampiros estão geniais). Tudo embalado por uma música envolvente (que inclui um divertido clip de Soul Dracula dos anos 70) permanecendo na mente mesmo após o filme e uma fotografia esmerada que valoriza enquadramentos belíssimos como as estranhas posições em que dormem as criaturas ou a visão bucólica e pitoresca da rua em que vive Eve, na exótica Tangier. Exalta a essência do tempo baseada no conhecimento e sabedoria como bem maior em diálogos cheios de nuances e um amontoado de imagens misteriosas que lançam suspeitas lúgubres a um suposto envolvimento de Shakespeare ou Kafka com uma longevidade vampiresca.

Assim como Adam e Eve, o filme “Fome de Viver” (1993) de Ridley Scott finalmente acaba de encontrar um par à altura para juntos serem cultuados eternamente.

Por: Carlos Henry.

Amantes Eternos (Only Lovers Left Alive. 2013). Reino Unido. Direção e Roteiro: Jim Jarmusch. Elenco: Tom Hiddleston, Tilda Swinton, Mia Wasikowska, John Hurt. Gênero: Drama, Romance, Terror.

Albert Nobbs (2011)

A simples menção do nome de Glenn Close o que me vem de imediato é a sua personagem a Cruella De Vil, do “101 Dálmatas” (1996). Até porque esse personagem conseguiu eclipsar um outro também muito forte: a Alex de “Atração Fatal” (1987). A Cruella é impagável! É memorável! Nem dá para imaginar outra atriz fazendo a Cruella. Ambas as personagens, mulheres poderosas, esbanjaram também em sedução, sendo que cada uma a seu modo. Até por conta dessa feminilidade nada tímida, bateu curiosidade em vê-la se passando por um homem. E que pelas primeiras fotos divulgadas, a maquiagem estava perfeita. Faltava então conferir o desempenho. Conferido, e…

Logo nas primeiras cenas, me veio a sensação de já ter visto o filme, ou que já conhecia a história. Foi uma sensação forte. Mas quando eu percebi que meus olhos acompanhavam o personagem, e de um jeito hipnótico, eu então passei a acompanhar “Albert Nobbs” sem pensar em mais nada. E fiquei encantada com a performance de Glenn Close. Ela está soberba! Seu personagem não está apenas travestido de homem. Mesmo com toda a maquiagem. Mesmo com toda a inflexibilidade da postura de um modorno inglês, seu garçom estava nesse patamar. Havia uma tristeza no olhar de Albert Nobbs que doia na alma. Glenn Close conseguiu transmitir pelo olhar a ferida não cicatrizada do que a levou a ser um homem. Mais! Também passou toda a opressão em cima das mulheres daquela época. Bravo Glenn Close!

E o filme “Albert Nobbs” traz uma radiografia de mulheres que mesmo num mundo bem machista mais que sobreviverem queriam de fato viverem. São heroínas, anônimas ou não, que também foram desbravando um caminho dentro da sociedade local. Nós mulheres da atualidade devemos também render homenagens à elas. Que mesmo não pontuando como Personalidade da História Universal, elas fizeram história nas localidades onde viviam.

O fillme “Albert Nobbs” traz sim uma carga dramática muito forte, mas que também nos leva a sorrir pelo caminho que senão escolhido, mas que foram se adaptando as contigências que o destino trazia. Até porque Albert Nobbs não estava sozinho nessa. Também houve mais um “homem” que cruzou em seu caminho. Muito mais safo para as agruras da vida. É o personagem da atriz Janet McTeer, o Hubert. Numa inversão de idades, até porque já sem a armadura externa Nobbs se mostra a adolescente de outrora, Hubert mais que um amigo, se transforma num mentor. Adotando Nobbs por coração.

Há uma máxima que diz que não é mudando de lugar (=localização geográfica) que extirpará um problema. Ainda mais se é da sua própria natureza. No filme há duas pessoas usurpadoras. Que sonham com uma grande mudança, mas culpam o destino por não lhe darem mais chance. De um lado temos o jovem Joe (Aaron Johnson), que acha que indo para a América vai tirar de si o gene ruim do pai. Nem repara que o destino lhe dera uma grande chance de crescer como pessoa, como um homem do bem. Não apenas quando consertou a velha caldeira do Hotel, mas ao conhecer ai, a doce Helen (Mia Wasikowska). Mas os acontecimentos afloraram o que só via no pai. Do outro lado, uma senhorinha que aparenta ser um doce, mas por conta de um incidente, vê a chane de realizar seu sonho. Se bem que essa não dá para condená-la. O destino deu a ela chance de viver mais uns anos feliz da vida.

Albert Nobbs só queria ser feliz. Por anos a fio, pacientemente, buscou por se ver livre até desse novo ser que teve que incorporar. Vislumbrou um outro caminho daquele traçado por pensar que assim teria o controle do seu destino mais rapidamente. Mas fora o seu erro. O destino novamente não lhe sorriu.

Glenn Close quase rouba todo o filme devido a sua atuação. Só não faz pela força da história. Pela forma com que o Diretor Rodrigo García conduz todos os personagens. É um drama comovente, mas em cima mesmo da opressão às mulheres. Nos levando a não esquecer disso, nunca!

Então é isso! É um filme excelente! Diria até, imperdível!
Nota 9,5.

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Albert Nobbs (2011). Reino Unido, Irlanda. Diretor: Rodrigo García. Roteiro: Glenn Close, John Banville. +Elenco. Gênero: Drama. Duração: 113 minutos. Basedo no livro “The Singular Life of Albert Nobbs”, de George Moore.